lunes, 31 de octubre de 2016

Una nueva versión de la celestina en el TNC

La Celestina, nombre por el que se conoce generalmente la comedia o tragicomedia de Calisto y Melibea, es una obra creada en el siglo XV, periodo de transición entre la Edad Media y el Renacimiento. Fernando de Rojas, autor que se le ha atribuida esta obra, es fiel al reflejar la crisis moral, social y cultural de este siglo; en La Celestina se mezclan lo popular y lo culto. Aunque la obra presenta una variada red de núcleos temáticos (muerte, codicia, brujería, etc.) hay uno que sobresale y que se constituye en eje de la acción dramática: el amorSi nos centramos en la obra representada en el TNC, se hará más hincapié en lo sexual con algunas escenas subiditas de tono.

La celestina

Una de las curiosidades del TNC es que el escenario estaba inclinado para que todos los espectadores puedan tener una buena perspectiva. En el escenario se sitúan escaleras y plataformas que permitía a los actores moverse para cambiar de espacio. Sin embargo, en contraposición del original escenario, el decorado fue bastante pobre y no se esmeraron en exceso con el vestuario. Pese a ello, se compensaba con una gran representación de los actores como el veterano José Luis Gómez dando vida a la celestina (puta vieja y otros atributos).


Se abre el telón y tocan las campanas, todos los actores cantan una cantarilla de pueblo. El encuentro entre Calisto y Melibea, la evolución de los personajes destacando la corrupción de Pármeno entre otras cosas, siguen la obra original. Lo más sorprendente de la representación podría ser el conjuro de Celestina. Susurros y actores vestidos de negro. El juego de luces y de humo creó un ambiente macabro y muy adecuado para la situación. Y siguiendo con curiosidades, ¿tiene algún significado el pañuelo que lleva en la cabeza Celestina?. Podría decirse que cada vez que va a realizar alguno de sus trabajos, junto con el conjuro, se sube el pañuelo a la cabeza... Otro de los motivos que me hace pensar que esta prenda tiene un especial simbolismo es que Areúsa, al morir Celestina, se lo pone. Quizás puede significar algo o quizás nada, simplemente quería mostrar mi curiosidad.


La celestina en el Teatre Nacional de Catalunya

Para acabar, como no, hay que comentar el final de la obra (spoiler alert). El desenlace no fue magnífico. Me explico, la muerte de los criados fue totalmente pasada por alto. No en el sentido de que no se hizo mención, sino que al tirar unos zapatos por las plataformas pienso que no es una manera de representar la muerte de estos dos personajes. Si no se ha leído la obra puede crear confusiones. La única que me pareció más original fue la de Melibea, un pañuelo blanco cae desde el techo (tiene sentido ya que se podría decir que es la caída de una chica noble corrompida por el placer de la carne o podría tener mucho más significados). Por no decir que en la última escena -después del planto de Pleberio, padre de Melibea- aparecieron de nuevo todos los actores que en vez de cantar la canción "normal" se dedicaron hacer ver que les daban ataques de taquicardias o espasmos (quizás, tenían complejo de zombies). No me pareció una mala adaptación sin embargo, a mi parecer se podrían destacar diferentes aspectos.



Lorena, el arte de la cultura crítica.

Les dones sàvies de Molière

En aquesta obra, el dramaturg francès Molière va escriure centrant-se amb les dones, com molts altres autors. Tal com es diu en el pròleg:
El 1672, França, Molière i la Companyia del Rei estrenen una comèdia de costums amb un embolic familiar on es recull l'afany de saber de les dones i posa en evidència un poeta mediocre i cregut de l'època. 
Fa referència al món de les dones i què és el que pensen. Si no bé, com aquesta versió és actualitzada; farà esment en la gramàtica catalana i en l'estat actual. Aquest quadre de costums és un joc interpretatiu que trenca les convencions del moment.  Els personatges principals, per descomptat, són dones. Una filla que es vol conformar sent muller i tenir fills, amb la contraposició de la seva mare, la tieta i la germana que volen cultivar la ment. Només hi ha tres personatges masculins que es deixen portar pel moviment de l'acció creat per les dones.


En aquesta actualització, els dos actors (Ricard Farré i Enric Cambray) actuaran a través de 8 personatges -quatre cadascú-. Una feina força difícil que la superen amb nota. Cada personatge tindrà un tret característic que el diferenciarà, a través de diferents elements del vestuari. La mare de l'obra que tindrà una especial obsessió per la gramàtica catalana despatxarà a la minyona per dir "pechuga de pollu" i no dir "pit de gall d'indi", com deia el personatge no puc suportar tanta ignorància. Es veu la contraposició del vocabulari, en alguns personatges serà exquisit, mentre que en altres serà totalment col·loquial. Per tant, en aquest aspecte va dirigit en l'àmbit de l'educació de les diferents classes socials. 


En aquesta sala petita s'amaga un gran espectacle en un escenari bastant auster. Cal dir que es representa en el Teatre Maldà de Barcelona.  Com a decorat hi ha dues cadires i una bambalina. Tot i no tenir un espai gaire ampli per moure's, fan servir tot l'escenari i la sala per actuar.  A través de perruques, bates i còfies es representarà un personatge o altre. És curiós que, durant 60 minuts que dura l'obra, va haver-hi total connexió amb el públic. Aquests magnífics actors van saber atrapar a la gent, fent preguntes, fent bromes directes i, fins i tot, cantar! En definitiva, fent-los partícips de l'actuació esperpèntica.


Les dones sàvies de Molière. (Ricard Farré i Enric Cambray)

És important, per acabar, destacar la feina que hi ha darrere dels actors. La gestualitat és un element clau per diferenciar els personatges (i ells ho han aconseguit). És cert que potser la representació d'aquesta obra en un teatre molt més gran no hagués funcionat perquè, com he dit abans, és especialment important connectar amb el públic. Tot i això, és totalment recomanable si l'espectador vol passar una bona estona amb humor i ironia en català. 





Lorena, el arte de la cultura crítica

martes, 27 de septiembre de 2016

27 de septiembre

¡Dínos cómo ha sido tu 27 de septiembre!
Ayúdanos a cumplir un sueño, que todo el mundo escriba un día del año. De conseguirlo, tendríamos la crónica escrita de un Día del Mundo.
Súmate a la iniciativa de la Universitat de Barcelona (UB, España), la Universidade Pontificia de Porto Alegre (PUCRS, Brasil), la Universidad Autónoma de México (UAM, México).
Nuestro objetivo, que el 27 de septiembre sea declarado el Día Mundial de la Escritura por la UNESCO.
Un escrito a modo diario (que puede ser breve y simple o más detallado, pero el objetivo no es que sea literario) de lo que has hecho en el día 27 de septiembre. #27S2016

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Hoy, 27 de septiembre, he empezado el día a las 8 de la mañana, no con una forma enérgica, sino con la pereza diaria de levantarme de la cama. Parece que las sábanas me absorban cuando quiero deshacerme de ellas. Sin embargo, como cada día, logro quitármelas de encima gracias a la ayuda de mi querida cocker, Lisy, que me viene a despertar para que la saque de paseo. Después de todo el proceso rutinario de la mañana y de haber bebido el café con leche, que me prepara cada mañana mi abuela, me dirijo a la universidad. Quizás hoy va a ser un día normal como cualquier otro, pero no, parece que no va a ser así...  Por primera vez, el metro en el que iba se ha quedado parado en el túnel durante 5 minutos, imagino que para quien lee esto no debe ser nada del otro mundo, pero las pequeñas cosas hacen la diferencia de un nuevo día (o eso es lo que se suele decir). Llego a la Central para coger apuntes, a mano o en la tablet (a veces, a velocidad de Usain Bolt) y de vuelta a casa. Comer rápido, ayudar en casa y a la autoescuela, el estrés diario. De vuelta a casa, pasar apuntes y leer textos/libros/monografías. Y después de todo el día, un poco de relax escribiendo en mi blog una nueva entrada. La verdad es que es algo que no puedo hacer con mucha frecuencia, pero que realmente cuando me pongo a escribir me hace desconectar de todo lo que me rodea y solo centrarme en algo, la escritura

Así ha sido mi día, cambio y corto.

Lorena, el arte de la cultura crítica

Otra manera de entender el teatro, el microteatro

¡Buenas! Hoy os voy a hablar de otro tipo de teatro, no es el típico que comento de 1 hora y larga de duración, esta vez es más corto. Hace menos de un mes descubrí navegando por Internet un nuevo teatro. Se trata del microteatro que está situado en la calle Bailén de Barcelona. Como bien informa la página web obras de 15 minutos, para un máximo de 15 personas y en menos de 15 m2.  Como nunca había pisado un teatro de aquel tipo, me animé a indagar por aquel sitio inhóspito y desconocido para mí. Por lo que pude ver, no parecía un teatro convencional de: entrada, sala de espera y entrada a los asientos. Es un lugar desenfadado con una única taquilla (poco convencional) y que la sala de espera es un bar. Las salas son pequeñas y la única pega que vi fue que la acústica no era muy buena (el audio de los efectos y la voz de los actores no hacía un buen acorde). 

La obra que voy a comentar hoy se llama Eurodrama. Román Amigó como director de escena e interpretada por Josep Gámez y Laura Tobias. El tema principal es que Lorenzo (Josep) no habla, sino que canta. Por lo tanto, solo se puede expresar a través de los grandes éxitos de Eurovisión, al querer solucionar este problema va a visitar a la doctora (Laura). Al entrar a la mini-sala donde se interpretará la obra ya está la doctora esperando al siguiente paciente. Lo bueno que tiene este tipo de teatro es que hay mucha proximidad entre actor y espectador. En la primera escena, la doctora nos suelta un monólogo juntando política, medicina y mucha ironía. A lo largo de la comedia se establece un diálogo entre estos dos personajes en los que cantarán... Y mucho.

En definitiva, valoro la propuesta del microteatro de una manera positiva. No solo pasas 15 minutos desconectado de todo y centrándote solo en la obra interpretada, sino que es una nueva forma de entender el teatro no-convencional. Otro aspecto a destacar es que se puede llevar la bebida comprada en el bar (precios asequibles) dentro de la sala y tomar el refrigerio mientras se disfruta del espectáculo. Cabe decir, que cada mes, aproximadamente, se cambian las obras representadas. Por el módico precio de 4€ podéis disfrutar de una historieta que os hará disfrutar al máximo.

Por último, os dejo un vídeo de youtube dónde se muestra diferentes opiniones del microteatro:



Lorena, el arte de la cultura crítica



PD. / Apunte: al clicar en "microteatro" se deriva a un enlace directo a la página web.

domingo, 28 de agosto de 2016

El mundo de los cuentos de Cortázar

Julio Cortázar
El argentino Julio Cortázar nació en pleno comienzo de la primera guerra mundial en Bruselas. El resultado es que el escritor se proclamase pacifista. Vivió en distintos lugares de Europa como: Bruselas, Barcelona y París, cosa que captó una gran influencia en el escritor. Su padre abandonó a su familia, cosa que afectó terriblemente en la vida de Cortázar. La soledad que ha acompañado desde niño hizo que a la temprana edad de 9 años escribiera su primera novela y que sus únicos "amigos" fueran los libros. Escritor, profesor, traductor e intelectual perteneciente a la pequeña burguesía argentina.

Traductor de Gilbert Keith Chesterton, John Keats, André Gide, Marguerite Yourcenar y Poe. Su gran influencia en los cuentos fue de este último, Edgar Allan Poe, ya que gracias a este escritor nace el cuento moderno. A parte de ser influenciado por estos grandes autores, también lo es de la corriente del surrealismo (se ve en sus obras: último round y la vuelta al día en 80 mundos).

El autor argentino tuvo tres etapas literarias compuestas por:
 - Etapa de la publicación de libros de cuentos como, algunos ejemplos, Bestiario (1951), Final de juego (1956), las armas secretas (1959) e Historias de cronopios y de famas (1962),
 - La creación de Rayuela (1963): Novela elegíaca de mucho éxito, vista como la antinovela del s. XX. Sin embargo, Cortázar estaba en desacuerdo en catalogarla de antinovela, sino él explica que su objetivo era buscar una nueva tentativa novelesca.
 - Al escritor le afecta directamente la revolución cubana.

Los temas que utiliza Cortázar son lo lúdico que representaba el lenguaje nace con el juego de las palabras y, por otra parte, lo cómico que se trata de llevar el humor a todos los momentos de la vida para erosionar nuestro sentimiento de normalidad. Sus rasgos narrativos, como se pueden ver tanto en cuentos como en las novelas es el sentimiento de lo fantástico, la lucha contra la razón y lo lógico y, por último, el juego como un elemento central en su literatura.


Portada de la primera edición de Final de Juego
Después de esta (larga y necesaria) introducción de Julio Cortázar, procederé a dar a conocer uno de sus libros de cuentos -> Final de juego. En la primera edición de este libro, era un conjunto de nueve relatos: Los venenos, El móvil, La noche boca arriba, Las Ménades, La puerta condenada, Torito, La banda, Axolotl y Final de juego. Mientras que en la segunda edición se añade otros nueve cuentos escritos entre 1945 y 1962: Los amigos, Relato con un fondo de agua, Después del almuerzo, Continuidad de los parques, No se culpe a nadie, El río, El ídolo de las Cícladas, Una flor amarilla y Sobremesa. Publicado en el año 1956 en Argentina y posteriormente en el año 1964. Este conjunto de relatos está dentro de la corriente literaria llamada realismo mágico que se caracteriza por la ruptura de los planos temporales y espaciales en el que se mueve la realidad y la ficción.

Como hay muchos relatos he escogido cinco en los que se muestra claramente el estilo de Cortázar. Cuando se empieza a leer una obra de este escritor hay que tener la mente abierta a leer a una historia fuera de lo normal. Los espacios temporales, los narradores, los finales todo será fuera de lo común y quizás no todas las historias siguen la estructura convencional de introducción, nudo y desenlace. Cortázar tiene un estilo diferente que el lector después de haber leído un cuento, a veces, tendrá que volver a leerlo, ya que al final será totalmente inesperado.

"Había empezado a leer la novela unos días antes" así es como comienza el cuento de Continuidad de los parques. Considero que es uno de los mejores cuentos de este libro, proyecta al lector con una historia que empieza in media res y que aparentemente parece fácil (el primer personaje que aparece lee en el sillón de su casa), pero el final es totalmente inesperado. La estructura temporal que utiliza es del mise en abîme (consiste en englobar una historia dentro de otra historia). Si el lector quiere un relato breve e impactante, este sería el idóneo.

Otro de sus cuentos en el que también se hace partícipe de la estructura temporal antes explicada es en el relato El río (un soliloquio-diálogo). También se entrelazan dos historias en el mismo cuento: los espasmos de amor (acto carnal) y espasmos de muerte (ahora en el río/mar), los dos referidos a la historia del matrimonio protagonista. Desde el principio del relato, da pistas de cómo va a ser el desenlace. Introduce tensión narrativa:
... que te has ido diciendo no sé qué cosa, que te ibas a tirar al Sena, algo por el estilo, una de las frases de plena noche, mezclados de sábana y boca pastosa...
La banda es la crónica de un escándalo. Explica la historia de Lucio, el personaje proncipal que va al cine a ver una obra/película de Litvak y se encuentra con una banda que toca marchas patrióticas. El Gran Cine Ópera (que representa a la burguesía) es invadido por los empleados de la compañía Alpargatas. El objetivo era representar un espectáculo para dar a conocer a los actores y artistas desocupados. Cuento que tiene trasfondo político y hace referencia claramente al peronismo de la época.

Sobremesa es el intercambio epistolar entre los dos protagonistas: el doctor Federico Moraes y el señor Alberto Rojas. Anualmente se hace una cena entre los amigos. Los dos protagonistas, después de una de las quedadas, discuten sobre la veracidad de unos hechos que ocurrieron el año anterior entre L.F y Robinosa. En este relato el lector hará de detective sumergiéndose en las cartas para encontrar al autor del crimen de L.F.... ¿O realmente habrá sido un suicidio?

Axolotl
Por otra parte, Axolotl (Ajolotes) título cuyo nombre, originario de la cultura azteca, corresponde a un pez. El narrador habla a través de dos identidades: el hombre y el axolotl. El hombre intenta evadirse de la realidad visitando el acuario "Jardin des Plantes" y se deleita observando la vida de estos animales. Desde el primer momento el lector puede observar una clara conexión entre estos dos, la obsesión que al final tiene el hombre acaba por convertirse en uno de ellos. Al igual que estos anfibios, el hombre llevará a cabo una metamorfosis. Sin embargo, al final del cuento el lector se puede preguntar ¿Quién es realmente el narrador del cuento: el axolotl o el hombre?


Si el lector quiere descubrir más sobre este memorable escritor con acento francés, adjunto una entrevista del año 1977 a cargo del periodista Joaquin Soler Serrano en el programa A fondo: 



Déjate atrapar por Cortázar. Quedarás perdido, pero a la vez encontrado.

Lorena, el arte de la cultura crítica

sábado, 30 de julio de 2016

The Secret Garden

Frances Eliza Hodgson Burnett (1849, Inglaterra-1924, NY) quería pasar de ser una chica de una familia pobre a una escritora con éxito. Por aquel tiempo, pocas mujeres trabajaban y fue criticada por ello, no solo por su familia, sino por la prensa. En un primer lugar, empezó escribiendo unos 5 relatos para periódicos y finalmente, sus novelas. A parte del libro que se va a comentar a continuación, escribió A Little Princess y Lord Fauntleroy


El título The Secret Garden nos desvela de qué va la historia y la portada nos da más pistas de ello. Cuando lo leí empecé a sentirme pequeña otra vez. Al igual que la niña protagonista, tenía un afán voraz de observar y descubrir cosas nuevas -muy común entre los pequeños-. Sin embargo, Mary descubrirá un jardín secreto en la casa de su tío (y esto sí que es poco común). 


La autora nos traslada de la pobre y colérica India a la burguesa Inglaterra. Después de la muerte de sus padres debido la cólera, Mary será llevada a Yorkshire a vivir con su tío. Allí conocerá a la sirvienta Martha Phoebe Sowerby que será la que, por primera vez, la tratará como una niña y, como ya se ve venir, tendrán una bonita amistad. Desde pequeña que ha estado sola, ha sido una niña solitaria y tímida. Pero todo cambiará cuando, acompañada de un hermoso pájaro, el gruñón jardinero y los demás personajes que aparecerán en la obra, la pequeña Mary descubrirá nuevos lugares. Esta evolución del personaje se ve reflejado en el transcurso de las estaciones del año.

Este libro lo leí en inglés, aunque evidentemente está en otros idiomas y también fue adaptado a la gran pantalla en diferentes versiones. Si el lector decide leerlo en este idioma, recomiendo que su nivel sea como mínimo de B1-B2, ya que si no va a tener dificultad en la comprensión lectora. La única pega que veo es que se plasma el dialecto de Yorkshire y a veces es fácil despistarse y no entender lo que está sucediendo. Aunque si se obtiene la adaptación de la editorial Penguin hay un mini glosario para facilitar la lectura. 

¡Allí va la cita final!
The sun shone down for nearly a week on the secret garden. The Secret Garden was what Mary called it when she was thinking of it. She liked the name, and she liked still more the feeling that when its beautiful old walls shut her in, no one knew where she was. It seemed almost like being shut out of the world in some fairy place.

Lorena, el arte de la cultura crítica. 

jueves, 30 de junio de 2016

Un espectáculo poco convencional

Grinder, el musical

Las nuevas tecnologías y las redes sociales (básicamente, internet) han revolucionado la manera de relacionarse. Ahora todo es más "fácil" si se quiere ligar. Gracias a las nuevas aplicaciones de tinder, happn o grindr es más accesible encontrar personas para chatear, quedar... y lo que surja. Es cierto que se ha perdido el mítico romanticismo en conocer a las personas de una forma espontánea, pero todo lo que sea una forma de unir ¿qué hay de malo en eso?. Sin embargo, hay gente (normalmente, jóvenes) que ya no mira a la cara, sino al móvil y solo es necesario salir a la calle para verificarlo. 

Grinder es un musical que muestra la nueva generación de la era tecnológica, pero centrado en un tema muy concreto -> ligar. Hay cinco personajes que se enredan entre ellos y una mujer disfrazada llamada Miss Grinder. Es como una comedia de enredo, pero gay. Es una idea innovadora que usan los estereotipos para hacer una crítica hacia la sociedad actual llena de prejuicios. 




Una voz en off empieza a hablar, el teatro está a oscuras y no se ve nada. Sientes que el aire acondicionado te viene directamente, un aire frío. Oyes pasos... ¡y ahí están los actores enseñando el culo! (literalmente). Encienden las linternas ¡y a bailar! a pocos centímetros del espectador. No quiero desvelar más secretos de esta obra tan atrevida y vivaz con unos autores que lo dan absolutamente todo. Miss Grinder será la única mujer que pise el escenario y que guíe a los chicos a encontrar lo que buscan y dirigirse al público ya sea: chillando, hablando o cantando. Hay comunicación directa hacia al público y se hace partícipe de la historia.

Esta obra tiene todos los números para convertirse en todo un éxito, o al menos, dentro de la comunidad gay. La iluminación hará que nos traslademos en la mismísima oscuridad (por la falta de ella) o en las discotecas. Desde luego, no deja indiferente a nadie (ni lo pretende) y con muchas sorpresas... Pásate por el teatre Eixample de Barcelona si lo quieres comprobar.

Bienvenidos a la era grinder, lo quiero todo y lo quiero ¡ya!


Lorena, el arte de la cultura crítica

domingo, 29 de mayo de 2016

El bon lladre

El bar del teatre Romea de Barcelona s'ha convertit en l'escenari del monòleg del "bon lladre" de Conor McPherson.  La història del gran dramaturg contemporani en llengua anglesa, però que s'interpreta en català, farà que aquesta comèdia t'atrapi. L'autor irlandès també ha escrit nombrosos textos de cinema y de sèries de televisió. El text fou escrit el 1997 i es va estrenar per primera vegada el 1994. 

El bon lladre és la història d'un home que acaba de sortir de la presó després de 10 anys. Aparentment, sembla una història senzilla sense cap complicació, però a mesura que passen els minuts el públic anirà aprofundint en el passat del protagonista. Després de sortir viu d'aquella experiència la vol compartir amb tots els qui la vulguin escoltar, d'aquesta manera els receptors tindran contacte directe amb l'intèrpret que s'aprofitarà i els farà riure o emocionar amb les seves desventures. Cal dir que el dramaturg volia posar de manifest la petita frontera que hi ha entre el bé i el mal de les actuacions del seu personatge.

Josep Julien representarà al protagonista. Al ser un espai petit facilita la proximitat amb el seu públic i s'entrega de valent a cada actuació. Els llums s'han apagat, sembla que no hi ha ningú al bar, només la gent que espera algú apareigui i actuï... Allà bé, obre la cortina i ve amb passos curts, carregant una motxilla. S'asseu en un tamboret ens mira a tothom que hi va i riu... Comença tartamudejant...

“Comencem amb un petit incident. 
Una nit jo estava assegut tranquil·lament al bar del Joe Murray. 
La feia petar amb una parella, amics meus, davant d’un parell de pintes. 
En aquella època jo treballava per al Joe Murray com a noi dels encàrrecs —per entendre’ns. 
Li espantava gent. A sou. 
Cremar coses, llocs… 
Disparar gent. Només per espantar. Avisos. 
La meva nòvia, la Greta, m’acabava de deixar. Però jo la continuava veient gairebé cada dia perquè m’havia deixat pel Joe Murray" 

A mesura que passa l'obra es va veient l'apropament entre actor-públic. Gairebé una hora i mitja amb el borratxo irlandès, delinqüent i que ha estat involucrat en un tiroteig. L'excel·lent interpretació d'en Josep fa que l'espectador s'endinsi entre les ciutats d'Irlanda i entre els actes rebels pels quals passa el protagonista. Mira al públic, el parla, s'apropa i es serveix una copa... Tot un espectacle! Ja pots anar a gaudir de l'espectacle fins al pròxim 12 de juny (2016) al teatre Romea de Barcelona.



sábado, 23 de abril de 2016

Homenaje a Cervantes en su IV centenario de su muerte

Cervantes, la pluma de referencia en la historia de la literatura

Hoy, aparte de ser la Diada de Sant Jordi (San Jorge) en Catalunya, también es la celebración de la muerte del escritor famoso y trascendental en la historia de la literatura, Cervantes. Este referente de origen español escribió grandes obras que, estoy segura, perdurarán para siempre. Este post pretende hacer un pequeño homenaje al IV  centenario de la muerte del creador de El Quijote



En primer lugar, haciendo referencia al madrileño, no solo fue soldado del ejército español, que luchó en la batalla de Lepanto y dónde quedó manco de una mano, sino que su reconocimiento viene dado por ser novelista, poeta y dramaturgo. Como todos sabemos, El Quijote es la magnum opus de Cervantes que trata de las aventuras del hidalgo Don Quijote de la Mancha y, su fiel acompañante, Sancho Panza. Cabe decir, que el capítulo con más renombre de esta gran obra es el de la lucha contra los molinos de viento comparándolos con gigantes. 


"En esto, descubrieron treinta o cuarenta molinos de viento que hay en aquel campo; y, así como don Quijote los vio, dijo a su escudero:

–La ventura va guiando nuestras cosas mejor de lo que acertáramos a desear, porque ves allí, amigo Sancho Panza, donde se descubren treinta, o pocos más, desaforados gigantes, con quien pienso hacer batalla y quitarles a todos las vidas, con cuyos despojos comenzaremos a enriquecer; que ésta es buena guerra, y es gran servicio de Dios quitar tan mala simiente de sobre la faz de la tierra.

–¿Qué gigantes? –dijo Sancho Panza.

–Aquellos que allí ves –respondió su amo– de los brazos largos, que los suelen tener algunos de casi dos leguas.

–Mire vuestra merced –respondió Sancho– que aquellos que allí se parecen no son gigantes, sino molinos de viento, y lo que en ellos parecen brazos son las aspas, que, volteadas del viento, hacen andar la piedra del molino.
–Bien parece –respondió don Quijote– que no estás cursado en esto de las aventuras: ellos son gigantes; y si tienes miedo, quítate de ahí, y ponte en oración en el espacio que yo voy a entrar con ellos en fiera y desigual batalla.
Y, diciendo esto, dio de espuelas a su caballo Rocinante, sin atender a las voces que su escudero Sancho le daba, advirtiéndole que, sin duda alguna, eran molinos de viento, y no gigantes, aquellos que iba a acometer. Pero él iba tan puesto en que eran gigantes, que ni oía las voces de su escudero Sancho ni echaba de ver, aunque estaba ya bien cerca, lo que eran; antes, iba diciendo en voces altas:
–Non fuyades, cobardes y viles criaturas, que un solo caballero es el que os acomete."

Además no solo hizo esta gran novela, sino que también fue un gran dramaturgo. Sin embargo, fue poco reconocido en su época, ya que el ilustre Lope de Vega fue el que se llevó todo el reconocimiento en el teatro durante la Edad de Oro. Don Miguel escribió El cerco de Numancia. Esta obra basada está basada en la tragedia de las Alpujarras. El tema principal es la guerra entre romanos y numantinos. Cipión es el capitán del ejército romano que creará un cerco en la ciudad de Numancia. A partir de sus personajes alegóricos (cómo el Duero, España, Guerra, Hambre, Enfermedad y Fama) aludirá a Felipe II y a la propia España para elaborar una crítica cervantina. El espacio será dentro y fuera de Numancia que se verá la diferente perspectiva de los dos ejércitos. Por otro lado y por último, quiero hacer referencia a los entremeses cervantinos. Estos son pequeñas obras que se representaban entre los actos de los corrales de comedias. Su principal función era distraer el público aunque también llevaba una gran crítica detrás y un ejemplo de ello es el Retablo de las maravillas.


Cabe recordar que también es el aniversario de la muerte de Shakespeare que murió el mismo día y año que el escritor español ¿toda una casualidad, verdad?. El dramaturgo inglés es conocido por sus obras Romeo y Julieta (1597) y Hamlet (1603). Del mismo modo, mañana se celebrará el cuarto centenario de la muerte del Inca Garcilaso de la Vega. Peruano que fue reconocido por sus obras, más importantes, La florida del Inca (1605) e Historia General del Perú (1617 publicación póstuma).


Y para acabar, ahora sí, Cervantes influenció a escritores españoles que no solo son de su época, sino más contemporáneos. Por ejemplo, los autores de la corriente del realismo, en La desheredada de Benito Pérez Galdós, asimismo autores que usaron la técnica del manuscrito hallado; Azorín en La voluntad y el propio Cela en La colmena. Tengo que decir que recomiendo fervientemente la lectura de cualquier obra de este gran maestro. No solo se aprende, sino que se crece culturalmente y se entra en un modo de escritura diferente. Porque una vez Cervantes te toma de la mano, no te deja ir jamás


Lorena, el arte de la cultura crítica

sábado, 9 de abril de 2016

"El sí de la niñas" de Moratín

Leandro Fernández de Moratín fue un reformista vinculado con la ilustración española. Su punto de vista crítico se vio reflejado en sus escritos. No solo escribió la obra que se comentará a continuación, sino obras tan ilustres como La derrota de los pedantes (1789), La comedia nueva o el café (1792), El viejo y la niña (1790), El barón (1803) y La mojigata (1804). A parte de escribir teatro, también escribió poesía.

La trama de El sí de las niñas (1805) es amorosa (bajo mi punto de vista, podría representarse en un culebrón de televisión), dramática  y sobretodo, por la pedagogía que representa. También me ha interesado por los diversos temas que se trabajan, entre ellos: el matrimonio desigual, los límites de las autoridades de los padres y la educación de los jóvenes. Dividida en tres partes y trama localizada en Alcalá de Henares, muestra unos espacios de temporalidad elíptica.

Moratín hace una crítica sobre los matrimonios desiguales que se llevaban a cabo en el s. XIX. Por una parte, ejemplifica este tema en el compromiso de Don Diego de 59 años con Doña Francisca de 16 años, una adolescente. Doña Irene hace referencia a este tema al decirle a su hija Mira que un casamiento como el que vas a hacer, muy pocas le consiguen. Es evidente que Moratín se ha tomado muchas molestias para criticar este tipo de matrimonios. Asimismo, también lo tratará en otra obra titulada El viejo y la niña. Con un pensamiento ilustrado nos viene a decir que la gente se tendría que casar por su propia decisión. Desgraciadamente, en esa época muchos matrimonios de conveniencia eran para aumentar el capital económico, de tierras, o bien, para subir el estatus social. Otro de los temas que aparece en esta obra es el límite de la autoridad de los padres. Este tema es representado por el verdadero mandato que tiene Doña Irene hacia su hija doña Francisca. Las decisiones en todos los aspectos sobre la vida de Doña Francisca los toma su madre.

Creo que Don Diego es el mejor personaje de la obra para resumir los tres temas en un fragmento (Don Diego, hace referencia a una voz totalmente ilustrada). En el que añado algunos matices.  

Él y su hija de usted estaban locos de amor, mientras que usted y las tías fundaban castillos en el aire y me llenaban la cabeza de ilusiones, que han desaparecido como un sueño... Esto resulta del abuso de autoridad [Se refiere a los límites de los padres en las decisiones de sus hijos], de la opresión que la juventud padece, éstas son las seguridades que dan los padres y los tutores, y esto lo que se debe fiar en el [A  parte de referirse al “sí” de la novia al casarse, por lo tanto el grado de sinceridad inculcado en la educación] de las niñas... Por una casualidad he sabido a tiempo el error [Referido al error que supondría el matrimonio de conveniencia y desigual entre él y Paquita] en que se presentaba... ¡Ay de aquellos que lo saben tarde!

Analizando el personaje de Doña Irene, ya que para mí es uno de los personajes más interesantes de la obra, nos viene a representar una mujer muy particular. Es viuda de tres maridos que dieron fruto a 21 hijos (dato ciertamente relevante, ya que se muestra que en esa época se acostumbraba a tener muchos hijos por la alta mortalidad infantil) de los cuales solo le queda su hija, Francisca. Por una parte, se muestra  como una madre excesivamente protectora que toma decisiones por su hija. Por otro lado, este personaje representa con claridad el pensamiento de la época que se tenía de la “finalidad” de las mujeres. Se creía que un buen matrimonio era la única esperanza que tenían las jóvenes para tener una buena vida. Para ello, se preparaban para Bordar, coser, leer libros devotos, oír misa. Se observa la importancia de la religión, el cristianismo, tanto en la vida cotidiana como en la educación.

Siguiendo con doña Irene quiero hacer referencia a la siguiente frase: ¿Y cuánto procuro tu bien, que no tengo otro pío sino el de verte colocada antes que yo falte? (en el acto II, escena V). En este pequeño fragmento no pude evitar acordarme de la Señora Bennet, personaje de la novela de Orgullo y prejuicio de la británica Jane Austen (de la que soy una fiel seguidora). Estos dos personajes muestran la angustia y el afán de una madre al querer ver a sus hijas contraer matrimonio con señores de buena familia. Les importa el honor y las mejoras (principalmente económicas) que puedan tener después de ese matrimonio. Para mí este personaje me resulta afable porque sigue las directrices que ha aprendido. No ve más allá de sus creencias sobre ese “buen” matrimonio.

En conclusión, decir que he disfrutado mucho leyendo esta obra de teatro. Por un lado, me ha hecho recordar (como he dicho antes) cuando leí la fantástica novela de Orgullo y prejuicio de Jane Austen (el paralelismo entre Doña Irene y la Sra. Bennet). Por otra parte, creo que el trabajo de Moratín es relevante e innovador en el siglo s.XVIII (XIX). El autor fue capaz de criticar un aspecto que estaba muy arraigado en la sociedad de la época, cosa que admiro. No solo por no importarle lo que dirían las críticas, sino por tener la voluntad de escribir el tema que quisiera.

Este obra es una comedia teatral que, bajo mi punto de vista, es muy recomendable, no solo por la trama del triángulo amoroso, sino por lo que significó en el s. XVIII (XIX) y actualmente. Aunque Moratín aluda a unos temas que pueden parecer en un primer momento anticuados para la sociedad actual, está más presente de lo que pensamos.

Más información:
En el siguiente enlace se puede ver la representación de teatro de la obra comentada:




Lorena, el arte de la cultura crítica

lunes, 14 de marzo de 2016

Patufet, el musical

Patufet, el musical

La història del conte popular "el Patufet" dels germans Grimm es representa en versió moderna al Teatre Victòria de Barcelona. El Patufet comptarà amb la producció d'annexa i amb la direcció d'Alicia Serrat. La típica història que els nostres pares o avis ens explicaven abans d'anar dormir, ara, s'explica de forma actualitzada introduint noves aventures i personatges.


Patufet, el musical (cartell)
Hi havia una vegada, un nen molt i molt petit que es deia Patufet. Un bon dia la seva mare li demana que porti l'entrepà al seu pare que està treballant. Content perquè mai li havia deixat sortir sol, se l'endú arrossegant pel carrer, cantant la cantarella que tothom sap.

"Patim, patam, patum homes i dones del cap dret, patim, patam, patum no trepitgeu en Patufet!

A partir d'aquest moment és quan comença l'aventura del nen més petit del món. Els seus companys seran una Marieta molt presumida i bastant egocèntrica, el Click un ninot de plàstic del playmòbil i la Tecla "T" la setciències del grup. En totes les històries hi ha un, o més d'un, personatge que fan de dolents. El Dolent 1 i el Dolent 2, afectivament no tenen nom, seran els malvats del conte; el pervers i el babau. Aquests dos van buscant un diamant que es troba dins de la panxa del bou, però... On està realment aquesta pedra preciosa?


Les noves tecnologies i els temes d'actualitat estaran presents, una referència, per exemple, és el joc de Mario Bros. És evident que quan es va a veure una obra de teatre que es diu "El patufet" no es pugui esperar res més que un musical per a nens. No obstant això, no només és una obra per als petits, sinó que té un humor d'adult i sarcàstic que només l'entenen els més grans i que passa desapercebut els nens. Els premis Butaca, el "misteriós" forat de la Barbie, etc. Són algunes referències que van dirigides als pares. L'humor i el to satíric es veurà reflectit en el personatge de la Marieta. Serà una obra entretinguda pels adults mentre que la canalla estarà distreta durant una hora. El que més es pot destacar en aquesta obra és la proximitat que hi ha entre els actors i els espectadors. La parella de dolents serà la que es mourà per tot el teatre a la recerca dels divertits personatges que acompanyen el protagonista i tindran contacte amb el públic. 


Una gran pantalla de fons, un bon treball de so i pocs personatges (però molt ben caracteritzats) dalt de l'escenari són els punts forts d'aquesta representació. El vestuari i l'atrezzo és de gran format, fent que el mateix entrepà, abans esmentat, sigui igual (o més) alt que el mateix protagonista. Jugaran amb els llums, els colors, la pantalla gran on ajudarà a imaginar i posar l'espectador a la pell d'en Patufet. S'ha de dir que aquest Patufet és ben particular, tots el coneixem per la versió catalana on porta barretina, però, aquest portarà una armilla de color vermell. Com a molts contes infantils, l'obra vol destacar uns valors com; la importància de la família i l'amistat. 


En conclusió, l'obra té molts aspectes sensorials on els més petits gaudiran d'una bona estona en família. És una història d'aventures on l'humor no falta. L'espectacle dura 1h, es representarà  en català fins al pròxim 20 de Març. Per més informació podeu consultar a la pàgina web del musical.



Lorena, el arte de la cultura crítica

sábado, 27 de febrero de 2016

Obra de teatre: Fang i Setge, 1714

L'obra va tenir un gran èxit a Olesa de Montserrat en el 2014, gràcies al IV centenari dels fets de 1714. El musical Fang i setge es disposa a fer un salt al gran públic en el Teatre Victòria de Barcelona. L'obra dirigida per Marc Angelet, com a director de l'equip artístic, i Quim Piqué, com a director musical, es va estrenar el passat 11 de Febrer. El dia de l’estrena va tenir una bona rebuda al teatre ocupant gairebé totes les butaques ocupades.

La música comença a sonar i el teló s'alça per l'escenari, tot indica que l'obra ha començat. S'inicia amb una breu introducció per connectar els espectadors amb els fets de l'obra. La crònica de la ciutat assetjada arrenca amb la història de l'Ònia, filla d'una família noble que vol marxar de la ciutat. Tot i això, el coratge de la jove farà quedar-se dins de les muralles i lluitar amb els seus companys. En William coneixerà a l'Ònia gràcies a una nena que sembla estar en mig de quasi totes les escenes, la Joana. Un altre personatge que cal destacar és la Núria que només es mourà per interès. Serà capaç de comprometre la seva filla, Eulàlia, per aconseguir els seus objectius. Un total de 30 actors seran els que formin part d'aquesta obra. El conflicte del setge s'enllaçarà amb la realitat que viuen els personatges. Les veus i la música en directe crearan una fusió que farà posar els pèls de punta a l'espectador en certs moments de l'obra. Emoció, força, lluita i enganys són els elements que es trobaran en aquesta obra. L'estil pot recordar a altres musicals com Les Misérables de Victor Hugo. No és necessari dir res del final de l'obra, ja que és totalment previsible si es sap la història.

La representació fou notable per ser el dia de l’estrena, no només van impressionar els efectes d'il·luminació sinó per la bona organització entre so, llums i música. El vestuari anava acord a l’època diferenciant les classes benestants i el poble. L’obra és en català, tot i que hi ha personatges com en William que parlava només en anglès, al principi, i el Villarroel que només parlava en castellà, però aquest últim acabava amb un “¡No hay un yo o un ustedes, sino un nosaltres!”. La música en directe fou el punt fort, ja que a vegades hi havia alguna veu fora de to que es camuflava entre la melodia i no es feia tant de ressò. La interpretació dels actors fou bona, tot i que potser no s’haurien de moure en excés quan estiguessin cantant, simplement, per no cometre errades en els aguts. No obstant això, per ser la primera posada en escena es notava l’esforç i el treball que hi havia darrere.

En conclusió del que ja s'ha dit, la interpretació per parts dels actors i la música en directe van crear l'ambient perfecte. Van complir l'objectiu de transmetre emoció i gràcia en aquest musical, ja que van rebre una onada d'aplaudiments del públic com a recompensa.

L'obra es representarà fins al pròxim 27 de Març al Teatre Victòria de Barcelona. L’espectacle és en català on aproparà l'espectador a la història dins del mur de la ciutat assetjada. L'obra dura 2h i 35 minuts. Les entrades es poden comprar a taquilla o a través del web del teatre.




Arrisquem!

Lorena, el arte de la cultura crítica

viernes, 12 de febrero de 2016

1616: Conmemoración del IV centenario de la muerte de grandes escritores

Fue toda una coincidencia que William Shakespeare y Miguel de Cervantes Saavedra murieran el mismo año y, también, el mismo día, 22 de Abril de 1616. Puede ser fruto de la casualidad que el peruano Inca Garcilaso de la Vega (o más bien, Gómez Suárez de Figueroa) muriese un día después, el 23 de Abril de 1616.  

Aprovechando las ventajas de vivir en Barcelona he podido asistir a la conferencia "Els inadaptats: Cervantes i Garcilaso" ("Los inadaptados: Cervantes y Garcilaso"), del pasado 8 de febrero,  en la Casa América de Cataluña. Vicente Molina Foix (cineasta y prolífico escritor español) y Santiago Roncagliolo (dramaturgoguionistatraductor y periodista peruano) hablaron de Cervantes e Inca Garcilaso. Se centraron básicamente en estos dos autores, aún así, hicieron referencia al reconocido e ilustre William Shakespeare. Cervantes e Inca Garcilaso se diferencian de Shakespeare porque representaban el mundo de la "transversalidad" llevaban vidas modernas y el último hacía una vida totalmente modesta. A continuación, haré un resumen de los elementos más destacados que he podido extraer de la charla.

Santiago Roncagliolo (izquierda) y Vicente Molina (derecha)

Santiago Roncagliolo habló sobre Cervantes y Vicente Molina explicó la trascendencia de Inca Garcilaso ("cambiaron los papeles"). Sintetizaron los aspectos más importantes de ambos autores. Destacaron más la vida y la obra del último, al hacerlo en la Casa América quisieron fomentar y dar a conocer todo aquello que les pertenece. 


Para empezar, Inca Garcilaso cuyo nombre fue Gómez Suárez de Figueroa, pero al llegar a España, a los 20 años de edad, lo cambió por el primero. En Montilla (Córdoba) será el lugar dónde conocerá a Cervantes y vivirá muchos años con su tío. Conoció a León Hebreo y tradujo Diálogos de amor que le introdujo a la filosofía neoplatónica. Fue considerado el primer peruano y escribió dos crónicas, la primera es La Florida del inca (que es un relato de la conquista española de Florida, publicada en Lisboa 1605) fue una obra muy reconocida en su momento, ya que se tradujo al inglés y al francés. La segunda es Comentarios reales dividido en dos partes: la primera parte, Comentarios reales (publicada en Lisboa, 1609) y la segunda parte, Historia general del Perú (Córdoba 1617, publicación póstuma). El hecho de escribir sus libros demuestra que sabe utilizar la lengua castellana. 
Inca Garcilaso de la Vega



A continuación, aparecerá otro personaje, menos conocido pero no menos importante, Felipe Guamán Poma de Ayala fue un cronista indígena de la época del virreinato del Perú. La relación entre Poma de Ayala y Garcilaso de la Vega fue por mostrar dos miradas sobre la colonización. El primero sintió un gran dolor por ver llegar a los invasores, ya que su objetivo en sus escritos era la denuncia de estos. Mientras que el segundo aceptaba la invasión española.

La conclusión extraída de Vicente Molina y Santiago Roncagliolo sobre Inca Garcilaso de la Vega fue que suposo ser el prototipo de la dualidad. En primer lugar, era dual en su origen; Hijo de un capitán español e hijo de una princesa inca Isabel Chimpu Ocllo. En segundo lugar, dual por dos lenguas; español y quechua. En tercer lugar, representación de dos países, España y Perú. Por último, fue marcado por dos religiones, católico (practicante) y la incaica (reconocimiento por parte de su madre).

Miguel de Cervantes Saavedra
"En un lugar de la Mancha, de cuyo nombre no quiero acordarme..." Esta cita tan conocida es de la obra El Quijote, cuyo personaje emblemático era el hidalgo Don Quijote de La Mancha acompañado de su fiel escudero Sancho Panza, de Miguel de Cervantes. Este ilustre escritor, en sus comienzos, se centró en la poesía y en el teatro. Cultivó todos los géneros narrativos: poesía, teatro, relatos breves (aunque, desgraciadamente, fracasó). El Quijote supondrá una burla hacia España, ya que se cree un imperio, Cervantes quiere vengarse de su fracaso a través de la sátira. El gran triunfador en el teatro en la época del Siglo de Oro fue Lope de Vega. Siguió con la prosa con su obra La Galatea y, más adelante, se adentrará a escribir novelas. En el ámbito militar, luchó en la batalla de Lepanto, quiso ser un héroe.


Resumen de lo explicado,
Cervantes e Inca Garcilaso son viajeros, explican el mundo que han visto. El Inca inaugura una mirada de identidad mezclada entre lo español y lo indígena. Tienen diferentes formas de escribir pero los dos tienen un cometido. En el caso del Inca Garcilaso de la Vega utilizaba la no ficción en sus escritos, por otra parte, Cervantes escribía, sobre todo, ficción.
A modo de conclusión, Cervantes dará a conocer un mundo interior. Mientras que el Inca introducirá un continente desconocido, el llamado "nuevo mundo", que solo está explicado por los colonizadores.

Conclusión de la conferencia,
Tanto Molina como Roncagliolo explicaron las vivencias y la importancia que tuvieron, y tienen, los dos grandes ilustres escritores. La conferencia no duró más de una hora, tuvo mucho éxito, ya que superó el aforo. Finalmente, los asistentes pudieron preguntar cualquier duda, o simplemente, dar su opinión. Tengo que admitir que fue la primera vez que visité la Casa América, pero estoy segura de que volveré. Cualquier cosa que sea para fomentar la cultura, me parece recomendable. 

Para finalizar, quiero escribir dos citas de los dos autores comentados:
 "En un lugar de la Mancha, de cuyo nombre no quiero acordarme, no ha mucho tiempo que vivía un hidalgo de los de lanza en astillero, adarga antigua, rocín flaco y galgo corredor. Una olla de algo más vaca que carnero, salpicón las más noches, duelos y quebrantos los sábados, lentejas los viernes, algún palomino de añadidura los domingos, consumían las tres partes de su hacienda.El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha (1ª parte) Miguel de Cervantes Saavedra

"Habiendo de tratar del Nuevo Mundo, o de la mejor y más principal parte suya, que son los reinos y provincias del Imperio llamado Perú, de cuyas antiguallas y origen de sus Reyes pretendemos escribir, parece que fuera justo, conforme a la común costumbre de los escritores, tratar aquí al principio si el mundo es uno sólo o si hay muchos mundos; si es llano o redondo, y si también lo es el cielo redondo o llano; si es habitable toda la tierra o no más de las zonas templadas; si hay paso de una templada a la otra; si hay antípodas y cuáles son de cuáles, y otras cosas semejantes que los antiguos filósofos muy larga y curiosamente trataron y los modernos no dejan de platicar y escribir, siguiendo cada cual opinión que más le agrada." Libro primero de Comentarios reales, Cap I

Lorena, el arte de la cultura crítica.