En alta mar es la obra del polaco Slawomir Mrozek representada en el Teatre Almería en Gracia. Una obra sencilla y minimalista que explica la cotidianidad aspectos políticos que parecen actuales, pero que fueron escritos en los 60. El título ya nos da pistas del espacio que se representará en escena. La versión se presenta en castellano y tiene una duración de una hora. Puede parecer breve al espectador si se adentran al humor y la sátira. Los tres actores principales (Quimet Sorio, Carles Bigorra y Gerard Domènech) mediante los silencios transmitirán y representarán los momentos de incerteza de tres vidas sin rumbo. Es, claramente, una crítica al mundo contemporáneo.
Nada más empezar la obra se deja muy claro de qué tratará: tres hombres navegan a la deriva en una balsa -bastante inestable, pero que la tienen totalmente bajo control-. La falta de alimentos y, por consecuencia, el hambre serán el tema que mueva el hilo de la obra. Este suceso hará que mediante elecciones, campañas electorales y falsas acusaciones se intente decidir cuál de ellos estará dentro del menú del próximo día. Los tres personajes intentarán salvarse el pellejo hasta llegar a la corrupción y demostrando el lado más oscuro del ser humano. La política será una pieza clave que se basará en el humor y la ironía que provocarán como mínimo una sonrisa -y risas- al espectador. Cabe decir que no es necesario saber mucho de política para disfrutar de la plenitud de la obra. Los contrapuntos de los personajes principales son el cartero y el criado que aparecerán en momentos concretos de la obra ( y representados por un único autor, Adrià Ardila) que ayudarán a descubrir quién son realmente.
La puesta en escena es minimalista se sirven de tres actores, una luz y un espacio para la representación. Un palé y unas tablas de madera constituirán la balsa y las sillas -al parecer, poco estables-. El vestuario tampoco es nada del otro mundo, pero al estar perdidos en una balsa, tampoco se puede esperar más.
En esta comedia absurda el toque de humor y la ironía está servido. A mi parecer es una apuesta segura para aquellos que quieran pasarlo bien y desconectar de la rutina que tenemos que saciar en este mundo de locos. Lorena, el arte de la cultura crítica
La senyora Florentina i el seu amor Homer és una de les poques obres teatrals que va escriure Mercè Rodoreda. Versió de <<Zerafina>> en el recull de contes de La meva Cristina i altres contes. Ara, representada en la Sala Gran del TNC, s'estrena amb grans actrius i actors i, sobretot, moltes flors. Té una duració de dues hores i mitja, en català i dirigida per Sergi Belbel. La trama de l'obra gira entorn d'una dona d'uns 50 anys que porta enamorada de l'Homer des de fa 30. Tot i que els dos personatges s'estimen, ell està casat i amb fills perquè no tenia més remei que seguir les direccions dels seus pares quan era jove. Cada divendres, l'Homer fa una visita a casa de la pianista per recordar-li que segueix estimant-la tant com sempre.
Com bé apunta el director Sergi Belbel: "Rodoreda escriu, amb to de comèdia de costums sobre les vides, les petites misèries, les petites desgràcies i les petites alegries d'una colla de dones barcelonines de principis del segle XX"
La senyora Florentina és professora de piano i de solfeig, burgesa, soltera i amb propietats. Els personatges femenins són els protagonistes. El radio-patio, el safareig i les celebracions de les amigues lligaran el fil de la trama. Aquestes representaran l'àmbit quotidià i el quadre de costums. Gràcies al personatge de Serafina es veurà en contraposició la protagonista. L'esperada minyona arribarà amb força, ja que farà riure a l'espectador gràcies al seu tret característic fònic; "ceceo". Aquest personatge és fonamental per recordar a les dones que poden viure soles sense necessitar un home al costat, és un crit al feminisme.
En quant a la interpretació, he de dir que la serietat de la intèrpret de la protagonista ha fet que no m'acabi de convèncer, potser deu ser per l'obscuritat del rerefons de l'heroïna. L'Homer serà gran part de l'obra omnipresent, es veurà com és de mesquí aquest personatge. El vestuari i l'attrezzo és una peça clau per la seva ostentositat, ja que representa l'època de principis del s. XX. A mida que vagi passant l'obra es veurà l'evolució de les seves vides fent que, finalment, decideixin el seu destí. Cal esmentar que si es treu els moments d'humor i comèdia dels personatges femenins, pot semblar una mica feixuga.
Primer aniversario de este apreciado blog, solo quiero escribir unas breves líneas sobre ello:
Quiero mostrar mi felicidad con todos los que me han leído alguna vez, ya que hace un año que me embarqué en esta apreciada aventura de escribir un blog. Como ya sabéis, como expliqué en la primera entrada "presentación", mi principal objetivo era divulgar autores y obras. Ahora tengo nuevos proyectos y objetivos, pero no me alejarán de lo que me gusta, así que seguiré escribiendo, dando a conocer la literatura, como ahora: con pasión por la escritura, sin fecha concreta y con el afán de presentar diferentes obras tanto teatrales, como literarias. Por último, quiero dar las gracias a todos los que habéis confiado en mí desde el principio.
Hoy os presentaré a Marie Kondo con La magia del orden. Antes de eso, quiero explicar cómo llegó a mis manos este libro tan peculiar. Durante las vacaciones de Navidad fui a una de las famosas reuniones familiares que todo el mundo tiene por estas fechas. Todo fue muy rutinario, hablar de las notas, los niños, la salud y el dinero hasta que vino el momento de hablar de la actualidad y de libros... ¡Me fascinó ese momento! Uno de mis familiares me comentó este libro. Me explicó que al principio le funcionó todos los consejos que Marie proponía para ordenar la casa. Pero no todo fue "coser y cantar", ya que después de ordenar y ordenar y pensar que ya estaba todo... Sus esfuerzos en tener todo ordenado le salió mal y le causó un efecto rebote, ahora tiene el doble de cosas de las que ya tenía. Después de oír esta experiencia, quise comprar este libro para leer los consejos que daba esta autora. Antes de comprarlo, decidí hacer una amplia búsqueda por Internet sobre el método que utilizaba y vídeos dónde enseñaba a sus alumnos a tener una casa más organizada.
Portada del libro: La magia del orden
En la portada del libro ya observamos el revuelo que tuvo el año pasado, aunque no me percaté de ello, "3 millones de ejemplares vendidos en todo el mundo" (aunque en la edición del ejemplar que compré pone 6 millones, cosa que me sorprendió más). Cuando voy a comprar un libro lo último que me fijo es si se ha vendido mucho o poco, pero imagino que para mucha gente ese dato es un reclamo para leerlo. El subtítulo Herramientas para ordenar tu casa... ¡y tu vida! el lector puede pensar, ¿por qué alguien me tiene que decir cómo ordenar si ya considero que mi habitación(por poner un ejemplo) ya está ordenada...? y encima, ¡ordenar mi vida!. Una respuesta a estas preguntas la encontré, nada más empezar sé que la organización también transformará tu vida.
Tengo que confesar que empecé a leer este libro con cierto escepticismo. Después de esta reflexión, prosigo a comentar el libro. La autora, considerada una de las cien personas más influyentes del 2016, nos empieza haciendo una presentación de ella misma y el significado que ha tenido a lo largo de su vida el orden. Desde los 5 años se ha sentido atraída por el mundo del orden y la clasificación. Marie ha creado el método KonMari que nos asegura que nos desharemos del desorden para siempre. Es sencillo: desechar + organizar el espacio por completo y de un tirón. Afirma que la clave del éxito del orden es ordenar una única vez. Cabe decir, que su sencillo método lo mezcla con filosofía oriental. Por lo tanto, hay dos besantes: la práctica y la espiritual, en este libro.
Valoro muy positivamente que relate la aplicación de su método en las experiencias de sus clientes. Quiero destacar uno de los consejos que más me ha ayudado en el orden (ya que, finalmente, he puesto en práctica algo de su sabiduría en este arte) nos explica que tenemos que elegir, de las cosas que tenemos, aquellas que nos hagan sentir bien y felices. Este consejo no solo se puede aplicar en lo material, sino en la vida general. La parte más filosófica y espiritual es la que me he percatado menos aunque la autora le da bastante importancia. La idea de Marie es que demos las gracias a todas las cosas antes de deshacernos de ellas. Otra cosa que me sorprendió leer fue: lo primero que hago cuando visito la casa de un cliente es saludar su casa. Me arrodillo formalmente sobre el suelo en el centro de la casa y le hablo mentalmente. Tras presentarme brevemente [...] le pido ayuda para crear un espacio donde la familia disfrute una vida más feliz". No me negaréis que saludar a una casa no es algo común y que la gente suela hacer, pero este ritual silencioso es lo que ayuda a esta joven japonesa a poner en orden todo lo que está patas arriba. Cabe destacar, que otro de sus consejos para tener la habitación/casa impecable es organizar por categoría. No os revelaré todos los consejos y aplicaciones del método de Marie, ya que no quiero hacer más spoilers de lo que ya hay en las redes.
Antes de acabar y llegar a mi conclusión, decir que me ha hecho reflexionar sobre el trato en el que damos a los libros cuando ya no los queremos/necesitamos. El término "tirar (o deshacer) libros" no lo encuentro adecuado -hago hincapié en ello, ya que lo leído en algun capítulo de este libro-. Los libros NO se tiran. Recordad que si no queréis un libro siempre hay alguien que lo pueda necesitar o querer. Los libros son materia de conocimiento que no tendrían que tirarse a la ligera. Es cierto que si se tiene un libro abandonado en casa y nunca más se va a leer, es positivo sacarlo para que entren de nuevos o simplemente, dejar espacio. Hay muchas maneras de aprovechar un libro que no se quiere; se puede vender, donar, regalar, reciclar, entre otros.
En conclusión, quiero destacar, al menos en mi experiencia, que este libro me ha empujado a ordenar todo aquello que consideraba que estaba mal y que siempre decía "ya lo ordenaré más tarde". Aunque no puedo decir que me haya cambiado la vida leerlo. Lo recomiendo para las personas que vivan un absoluto caos en sus casas y necesiten mejorar en ese aspecto. Creo que este libro se tiene que leer en el momento correcto, cuando se necesite.
A continuación, os dejo un video "How to tidy up with Marie"
Lorena, el arte de la cultura crítica
PD: Hace relativamente poco leí una cita muy bonita del gran Jorge Luis Borges que me gustaría compartir:
Hay quienes no pueden imaginar un mundo sin pájaros; hay quienes no pueden imaginar un mundo sin agua; en lo que a mí se refiere, soy incapaz de imaginar un mundo sin libros.
La Celestina, nombre por el que se conoce
generalmente la comedia o tragicomedia de Calisto y Melibea, es una obra creada
en el siglo XV, periodo de transición entre la Edad Media y el
Renacimiento. Fernando de Rojas, autor que se le ha atribuida esta obra, es fiel al reflejar la crisis moral,
social y cultural de este siglo; en La Celestinase mezclan lo popular y
lo culto. Aunque la obra presenta una
variada red de núcleos temáticos (muerte, codicia, brujería, etc.) hay uno que
sobresale y que se constituye en eje de la acción dramática: el amor. Si nos centramos en la obra representada en el TNC, se hará más hincapié en lo sexual con algunas escenas subiditas de tono.
La celestina
Una de las curiosidades del TNC es que el escenario estaba inclinado para que todos los espectadores puedan tener una buena perspectiva. En el escenario se sitúan escaleras y plataformas que permitía a los actores moverse para cambiar de espacio. Sin embargo, en contraposición del original escenario, el decorado fue bastante pobre y no se esmeraron en exceso con el vestuario. Pese a ello, se compensaba con una gran representación de los actores como el veterano José Luis Gómez dando vida a la celestina (puta vieja y otros atributos).
Se abre el telón y tocan las campanas, todos los actores cantan una cantarilla de pueblo. El encuentro entre Calisto y Melibea, la evolución de los personajes destacando la corrupción de Pármeno entre otras cosas, siguen la obra original. Lo más sorprendente de la representación podría ser el conjuro de Celestina. Susurros y actores vestidos de negro. El juego de luces y de humo creó un ambiente macabro y muy adecuado para la situación. Y siguiendo con curiosidades, ¿tiene algún significado el pañuelo que lleva en la cabeza Celestina?. Podría decirse que cada vez que va a realizar alguno de sus trabajos, junto con el conjuro, se sube el pañuelo a la cabeza... Otro de los motivos que me hace pensar que esta prenda tiene un especial simbolismo es que Areúsa, al morir Celestina, se lo pone. Quizás puede significar algo o quizás nada, simplemente quería mostrar mi curiosidad.
La celestina en el Teatre Nacional de Catalunya
Para acabar, como no, hay que comentar el final de la obra (spoiler alert). El desenlace no fue magnífico. Me explico, la muerte de los criados fue totalmente pasada por alto. No en el sentido de que no se hizo mención, sino que al tirar unos zapatos por las plataformas pienso que no es una manera de representar la muerte de estos dos personajes. Si no se ha leído la obra puede crear confusiones. La única que me pareció más original fue la de Melibea, un pañuelo blanco cae desde el techo (tiene sentido ya que se podría decir que es la caída de una chica noble corrompida por el placer de la carne o podría tener mucho más significados). Por no decir que en la última escena -después del planto de Pleberio, padre de Melibea- aparecieron de nuevo todos los actores que en vez de cantar la canción "normal" se dedicaron hacer ver que les daban ataques de taquicardias o espasmos (quizás, tenían complejo de zombies). No me pareció una mala adaptación sin embargo, a mi parecer se podrían destacar diferentes aspectos.
En aquesta obra, el dramaturg francès Molière va escriure centrant-se amb les dones, com molts altres autors. Tal com es diu en el pròleg:
El 1672, França, Molière i la Companyia del Rei estrenen una comèdia de costums amb un embolic familiar on es recull l'afany de saber de les dones i posa en evidència un poeta mediocre i cregut de l'època.
Fa referència al món de les dones i què és el que pensen. Si no bé, com aquesta versió és actualitzada; farà esment en la gramàtica catalana i en l'estat actual. Aquest quadre de costums és un joc interpretatiu que trenca les convencions del moment. Els personatges principals, per descomptat, són dones. Una filla que es vol conformar sent muller i tenir fills, amb la contraposició de la seva mare, la tieta i la germana que volen cultivar la ment. Només hi ha tres personatges masculins que es deixen portar pel moviment de l'acció creat per les dones.
En aquesta actualització, els dos actors (Ricard Farré i Enric Cambray) actuaran a través de 8 personatges -quatre cadascú-. Una feina força difícil que la superen amb nota. Cada personatge tindrà un tret característic que el diferenciarà, a través de diferents elements del vestuari. La mare de l'obra que tindrà una especial obsessió per la gramàtica catalana despatxarà a la minyona per dir "pechuga de pollu" i no dir "pit de gall d'indi", com deia el personatge no puc suportar tanta ignorància. Es veu la contraposició del vocabulari, en alguns personatges serà exquisit, mentre que en altres serà totalment col·loquial. Per tant, en aquest aspecte va dirigit en l'àmbit de l'educació de les diferents classes socials.
En aquesta sala petita s'amaga un gran espectacle en un escenari bastant auster. Cal dir que es representa en el Teatre Maldà de Barcelona. Com a decorat hi ha dues cadires i una bambalina. Tot i no tenir un espai gaire ampli per moure's, fan servir tot l'escenari i la sala per actuar. A través de perruques, bates i còfies es representarà un personatge o altre. És curiós que, durant 60 minuts que dura l'obra, va haver-hi total connexió amb el públic. Aquests magnífics actors van saber atrapar a la gent, fent preguntes, fent bromes directes i, fins i tot, cantar! En definitiva, fent-los partícips de l'actuació esperpèntica.
Les dones sàvies de Molière. (Ricard Farré i Enric Cambray)
És important, per acabar, destacar la feina que hi ha darrere dels actors. La gestualitat és un element clau per diferenciar els personatges (i ells ho han aconseguit). És cert que potser la representació d'aquesta obra en un teatre molt més gran no hagués funcionat perquè, com he dit abans, és especialment important connectar amb el públic. Tot i això, és totalment recomanable si l'espectador vol passar una bona estona amb humor i ironia en català.
Ayúdanos a cumplir un sueño, que todo el mundo escriba un día del año. De conseguirlo, tendríamos la crónica escrita de un Día del Mundo.
Súmate a la iniciativa de la Universitat de Barcelona (UB, España), la Universidade Pontificia de Porto Alegre (PUCRS, Brasil), la Universidad Autónoma de México (UAM, México).
Nuestro objetivo, que el 27 de septiembre sea declarado el Día Mundial de la Escritura por la UNESCO.
Un escrito a modo diario (que puede ser breve y simple o más detallado, pero el objetivo no es que sea literario) de lo que has hecho en el día 27 de septiembre. #27S2016
Hoy, 27 de septiembre, he empezado el día a las 8 de la mañana, no con una forma enérgica, sino con la pereza diaria de levantarme de la cama. Parece que las sábanas me absorban cuando quiero deshacerme de ellas. Sin embargo, como cada día, logro quitármelas de encima gracias a la ayuda de mi querida cocker, Lisy, que me viene a despertar para que la saque de paseo. Después de todo el proceso rutinario de la mañana y de haber bebido el café con leche, que me prepara cada mañana mi abuela, me dirijo a la universidad. Quizás hoy va a ser un día normal como cualquier otro, pero no, parece que no va a ser así... Por primera vez, el metro en el que iba se ha quedado parado en el túnel durante 5 minutos, imagino que para quien lee esto no debe ser nada del otro mundo, pero las pequeñas cosas hacen la diferencia de un nuevo día (o eso es lo que se suele decir). Llego a la Central para coger apuntes, a mano o en la tablet (a veces, a velocidad de Usain Bolt)y de vuelta a casa. Comer rápido, ayudar en casa y a la autoescuela, el estrés diario. De vuelta a casa, pasar apuntes y leer textos/libros/monografías. Y después de todo el día, un poco de relax escribiendo en mi blog una nueva entrada. La verdad es que es algo que no puedo hacer con mucha frecuencia, pero que realmente cuando me pongo a escribir me hace desconectar de todo lo que me rodea y solo centrarme en algo, la escritura.
¡Buenas! Hoy os voy a hablar de otro tipo de teatro, no es el típico que comento de 1 hora y larga de duración, esta vez es más corto. Hace menos de un mes descubrí navegando por Internet un nuevo teatro. Se trata del microteatro que está situado en la calle Bailén de Barcelona. Como bien informa la página web obras de 15 minutos, para un máximo de 15 personas y en menos de 15 m2. Como nunca había pisado un teatro de aquel tipo, me animé a indagar por aquel sitio inhóspito y desconocido para mí. Por lo que pude ver, no parecía un teatro convencional de: entrada, sala de espera y entrada a los asientos. Es un lugar desenfadado con una única taquilla (poco convencional) y que la sala de espera es un bar. Las salas son pequeñas y la única pega que vi fue que la acústica no era muy buena (el audio de los efectos y la voz de los actores no hacía un buen acorde).
La obra que voy a comentar hoy se llama Eurodrama. Román Amigó como director de escena e interpretada por Josep Gámez y Laura Tobias. El tema principal es que Lorenzo (Josep) no habla, sino que canta. Por lo tanto, solo se puede expresar a través de los grandes éxitos de Eurovisión, al querer solucionar este problema va a visitar a la doctora (Laura). Al entrar a la mini-sala donde se interpretará la obra ya está la doctora esperando al siguiente paciente. Lo bueno que tiene este tipo de teatro es que hay mucha proximidad entre actor y espectador. En la primera escena, la doctora nos suelta un monólogo juntando política, medicina y mucha ironía. A lo largo de la comedia se establece un diálogo entre estos dos personajes en los que cantarán... Y mucho.
En definitiva, valoro la propuesta del microteatro de una manera positiva. No solo pasas 15 minutos desconectado de todo y centrándote solo en la obra interpretada, sino que es una nueva forma de entender el teatro no-convencional. Otro aspecto a destacar es que se puede llevar la bebida comprada en el bar (precios asequibles) dentro de la sala y tomar el refrigerio mientras se disfruta del espectáculo. Cabe decir, que cada mes, aproximadamente, se cambian las obras representadas. Por el módico precio de 4€ podéis disfrutar de una historieta que os hará disfrutar al máximo.
Por último, os dejo un vídeo de youtube dónde se muestra diferentes opiniones del microteatro:
Lorena, el arte de la cultura crítica
PD. / Apunte: al clicar en "microteatro" se deriva a un enlace directo a la página web.
El argentino Julio Cortázar nació en pleno comienzo de la primera guerra mundial en Bruselas. El resultado es que el escritor se proclamase pacifista. Vivió en distintos lugares de Europa como: Bruselas, Barcelona y París, cosa que captó una gran influencia en el escritor. Su padre abandonó a su familia, cosa que afectó terriblemente en la vida de Cortázar. La soledad que ha acompañado desde niño hizo que a la temprana edad de 9 años escribiera su primera novela y que sus únicos "amigos" fueran los libros. Escritor, profesor, traductor e intelectual perteneciente a la pequeña burguesía argentina.
Traductor de Gilbert Keith Chesterton, John Keats, André Gide, Marguerite Yourcenar y Poe. Su gran influencia en los cuentos fue de este último, Edgar Allan Poe, ya que gracias a este escritor nace el cuento moderno. A parte de ser influenciado por estos grandes autores, también lo es de la corriente del surrealismo (se ve en sus obras: último round y la vuelta al día en 80 mundos). El autor argentino tuvo tres etapas literarias compuestas por: - Etapa de la publicación de libros de cuentos como, algunos ejemplos, Bestiario (1951), Final de juego (1956), las armas secretas (1959) e Historias de cronopios y de famas (1962),
- La creación de Rayuela (1963): Novela elegíaca de mucho éxito, vista como la antinovela del s. XX. Sin embargo, Cortázar estaba en desacuerdo en catalogarla de antinovela, sino él explica que su objetivo era buscar una nueva tentativa novelesca. - Al escritor le afecta directamente la revolución cubana.
Los temas que utiliza Cortázar son lo lúdico que representaba el lenguaje nace con el juego de las palabras y, por otra parte, lo cómico que se trata de llevar el humor a todos los momentos de la vida para erosionar nuestro sentimiento de normalidad. Sus rasgos narrativos, como se pueden ver tanto en cuentos como en las novelas es el sentimiento de lo fantástico, la lucha contra la razón y lo lógico y, por último, el juego como un elemento central en su literatura.
Portada de la primera edición de Final de Juego
Después de esta (larga y necesaria) introducción de Julio Cortázar, procederé a dar a conocer uno de sus libros de cuentos -> Final de juego. En la primera edición de este libro, era un conjunto de nueve relatos: Los venenos, El móvil, La noche boca arriba, Las Ménades, La puerta condenada, Torito, La banda, Axolotl y Final de juego. Mientras que en la segunda edición se añade otros nueve cuentos escritos entre 1945 y 1962: Los amigos, Relato con un fondo de agua, Después del almuerzo, Continuidad de los parques, No se culpe a nadie, El río, El ídolo de las Cícladas, Una flor amarilla y Sobremesa. Publicado en el año 1956 en Argentina y posteriormente en el año 1964. Este conjunto de relatos está dentro de la corriente literaria llamada realismo mágicoque se caracteriza por la ruptura de los planos temporales y espaciales en el que se mueve la realidad y la ficción.
Como hay muchos relatos he escogido cinco en los que se muestra claramente el estilo de Cortázar. Cuando se empieza a leer una obra de este escritor hay que tener la mente abierta a leer a una historia fuera de lo normal. Los espacios temporales, los narradores, los finales todo será fuera de lo común y quizás no todas las historias siguen la estructura convencional de introducción, nudo y desenlace. Cortázar tiene un estilo diferente que el lector después de haber leído un cuento, a veces, tendrá que volver a leerlo, ya que al final será totalmente inesperado.
"Había empezado a leer la novela unos días antes" así es como comienza el cuento deContinuidad de los parques. Considero que es uno de los mejores cuentos de este libro, proyecta al lector con una historia que empieza in media res y que aparentemente parece fácil (el primer personaje que aparece lee en el sillón de su casa), pero el final es totalmente inesperado. La estructura temporal que utiliza es del mise en abîme (consiste en englobar una historia dentro de otra historia). Si el lector quiere un relato breve e impactante, este sería el idóneo.
Otro de sus cuentos en el que también se hace partícipe de la estructura temporal antes explicada es en el relato El río (un soliloquio-diálogo). También se entrelazan dos historias en el mismo cuento: los espasmos de amor (acto carnal) y espasmos de muerte (ahora en el río/mar), los dos referidos a la historia del matrimonio protagonista. Desde el principio del relato, da pistas de cómo va a ser el desenlace. Introduce tensión narrativa:
... que te has ido diciendo no sé qué cosa, que te ibas a tirar al Sena, algo por el estilo, una de las frases de plena noche, mezclados de sábana y boca pastosa...
La banda es la crónica de un escándalo. Explica la historia de Lucio, el personaje proncipal que va al cine a ver una obra/película de Litvak y se encuentra con una banda que toca marchas patrióticas. El Gran Cine Ópera (que representa a la burguesía) es invadido por los empleados de la compañía Alpargatas. El objetivo era representar un espectáculo para dar a conocer a los actores y artistas desocupados. Cuento que tiene trasfondo político y hace referencia claramente al peronismo de la época.
Sobremesa es el intercambio epistolar entre los dos protagonistas: el doctor Federico Moraes y el señor Alberto Rojas. Anualmente se hace una cena entre los amigos. Los dos protagonistas, después de una de las quedadas, discuten sobre la veracidad de unos hechos que ocurrieron el año anterior entre L.F y Robinosa. En este relato el lector hará de detective sumergiéndose en las cartas para encontrar al autor del crimen de L.F.... ¿O realmente habrá sido un suicidio?
Axolotl
Por otra parte, Axolotl (Ajolotes) título cuyo nombre, originario de la cultura azteca, corresponde a un pez. El narrador habla a través de dos identidades: el hombre y el axolotl. El hombre intenta evadirse de la realidad visitando el acuario "Jardin des Plantes" y se deleita observando la vida de estos animales. Desde el primer momento el lector puede observar una clara conexión entre estos dos, la obsesión que al final tiene el hombre acaba por convertirse en uno de ellos. Al igual que estos anfibios, el hombre llevará a cabo una metamorfosis. Sin embargo, al final del cuento el lector se puede preguntar ¿Quién es realmente el narrador del cuento: el axolotl o el hombre?
Si el lector quiere descubrir más sobre este memorable escritor con acento francés, adjunto una entrevista del año 1977 a cargo del periodista Joaquin Soler Serrano en el programa A fondo:
Déjate atrapar por Cortázar. Quedarás perdido, pero a la vez encontrado.
Frances Eliza Hodgson Burnett (1849, Inglaterra-1924, NY) quería pasar de ser una chica de una familia pobre a una escritora con éxito. Por aquel tiempo, pocas mujeres trabajaban y fue criticada por ello, no solo por su familia, sino por la prensa. En un primer lugar, empezó escribiendo unos 5 relatos para periódicos y finalmente, sus novelas. A parte del libro que se va a comentar a continuación, escribió A Little Princess y Lord Fauntleroy
El título The Secret Garden nos desvela de qué va la historia y la portada nos da más pistas de ello. Cuando lo leí empecé a sentirme pequeña otra vez. Al igual que la niña protagonista, tenía un afán voraz de observar y descubrir cosas nuevas -muy común entre los pequeños-. Sin embargo, Mary descubrirá un jardín secreto en la casa de su tío (y esto sí que es poco común).
La autora nos traslada de la pobre y colérica India a la burguesa Inglaterra. Después de la muerte de sus padres debido la cólera, Mary será llevada a Yorkshire a vivir con su tío. Allí conocerá a la sirvienta Martha Phoebe Sowerby que será la que, por primera vez, la tratará como una niña y, como ya se ve venir, tendrán una bonita amistad. Desde pequeña que ha estado sola, ha sido una niña solitaria y tímida. Pero todo cambiará cuando, acompañada de un hermoso pájaro, el gruñón jardinero y los demás personajes que aparecerán en la obra, la pequeña Mary descubrirá nuevos lugares. Esta evolución del personaje se ve reflejado en el transcurso de las estaciones del año.
Este libro lo leí en inglés, aunque evidentemente está en otros idiomas y también fue adaptado a la gran pantalla en diferentes versiones. Si el lector decide leerlo en este idioma, recomiendo que su nivel sea como mínimo de B1-B2, ya que si no va a tener dificultad en la comprensión lectora. La única pega que veo es que se plasma el dialecto de Yorkshire y a veces es fácil despistarse y no entender lo que está sucediendo. Aunque si se obtiene la adaptación de la editorial Penguin hay un mini glosario para facilitar la lectura.
¡Allí va la cita final!
The sun shone down for nearly a week on the secret garden. The Secret Garden was what Mary called it when she was thinking of it. She liked the name, and she liked still more the feeling that when its beautiful old walls shut her in, no one knew where she was. It seemed almost like being shut out of the world in some fairy place.
Las nuevas tecnologías y las redes sociales (básicamente, internet) han revolucionado la manera de relacionarse. Ahora todo es más "fácil" si se quiere ligar. Gracias a las nuevas aplicaciones de tinder, happn o grindr es más accesible encontrar personas para chatear, quedar... y lo que surja. Es cierto que se ha perdido el mítico romanticismo en conocer a las personas de una forma espontánea, pero todo lo que sea una forma de unir ¿qué hay de malo en eso?. Sin embargo, hay gente (normalmente, jóvenes) que ya no mira a la cara, sino al móvil y solo es necesario salir a la calle para verificarlo.
Grinderes un musical que muestra la nueva generación de la era tecnológica, pero centrado en un tema muy concreto -> ligar. Hay cinco personajes que se enredan entre ellos y una mujer disfrazada llamada Miss Grinder. Es como una comedia de enredo, pero gay. Es una idea innovadora que usan los estereotipos para hacer una crítica hacia la sociedad actual llena de prejuicios.
Una voz en off empieza a hablar, el teatro está a oscuras y no se ve nada. Sientes que el aire acondicionado te viene directamente, un aire frío. Oyes pasos... ¡y ahí están los actores enseñando el culo! (literalmente). Encienden las linternas ¡y a bailar! a pocos centímetros del espectador. No quiero desvelar más secretos de esta obra tan atrevida y vivaz con unos autores que lo dan absolutamente todo. Miss Grinder será la única mujer que pise el escenario y que guíe a los chicos a encontrar lo que buscan y dirigirse al público ya sea: chillando, hablando o cantando. Hay comunicación directa hacia al público y se hace partícipe de la historia.
Esta obra tiene todos los números para convertirse en todo un éxito, o al menos, dentro de la comunidad gay. La iluminación hará que nos traslademos en la mismísima oscuridad (por la falta de ella) o en las discotecas. Desde luego, no deja indiferente a nadie (ni lo pretende) y con muchas sorpresas... Pásate por el teatre Eixample de Barcelona si lo quieres comprobar.
Bienvenidos a la era grinder, lo quiero todo y lo quiero ¡ya!
